Archivos para las entradas con etiqueta: Contemporary Painting

The Servais Family Collection and The Loft present AMEXICA, an exhibition with artworks from the collection curated by Marisol Rodríguez. Featuring the work of Yoshua Okón, Gabriel de la Mora, Daniel Aguilar Ruvalcaba, Fritzia Irizar, Nathan Mabry, Teresa Margolles, Federico Martínez, Gabriel Orozco, Ariel Orozco, Daniela Rossell among others.

AMEXICA aims at exploring the symbolic beyond the geopolitical by way of the personal and the popular, the lived experiences of the artists, the collector and the curator in a selection of works inspired by, coming from, dealing with, and aiming at Mexico.

On view until July 2021 by appointment collection.servais@gmail.com

 

Gabriel de la Mora, D.A.S., 1974 capas de pintura, 2011, acrílico sobre masonite y marco de madera con vidrio / acrylic on masonite and frame of wood with glass, díptico / diptych 40 x 35.5 x 7.9 cm /  15.74 x 13.97 x 3.11 inches, 25.4 x 20.4 x 3 cm / 10 x 8.03 x 1.18 inches, serie Originalmentefalso / Originallyfake series.

These piece come from an open-air market held on the median of Alvaro Obregon Avenue in Mexico City, where works by renowned artists are sold at accessible prices- such as the MX$500 (approx. USD$42) paid for a flaming tree by David Alfaro Siqueiros complete with  a forged certificates from the Cultural Legacy of David Alfaro Siqueiros bearing Adriana Siqueiros’s signature.

These piece continues an obsessive spiral in Gabriel de la Mora’s work – painting in layers – whereby the center of visual attention is displaced from the main surface, a white monochrome, to the edges of the canvas, which are saturated with color.  For its titles, the artist arbitrarily chose the year Siqueiros died, while the chromatic sequence of applying layers of paint hinged on a calculation process based on the palettes employed in the forgery:

120 layers of intense black #302
200 layers of carmine #319
60 layers of fall yellow #318
20 layers of carmine #319
100 layers of fall yellow #318
60 layers of titanium white #301
200 layers of rust red (intense black #302 plus carmine #319)
10 layers of titanium white #301
60 layers of intense black #302
150 layers of carmine #319
40 layers of bright orange #332
10 layers of intense black #302
70 layers of bright orange #332
110 layers of rust red (intense black #302 plus carmine #319)
30 layers of bright yellow (fall yellow #318 and titanium white #301)
209 layers of ochre #303
50 layers of carmine #319
5 layers of intense black #302
70 layers of rust red (intense black #302 and carmine #319)
20 layers of bright orange #332
5 layers of titanium white #301
90 layers of bright ochre (ochre #303 and titanium white #301)
10 layers of intense black #302
100 layers of carmine #319
94 layers of white titanium #301

5 layers of vanish to preserve the work in time

 

IMG_3165Process

 

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Gabriel de la Mora, 50,212, 2018, 50,212 Fragmentos de cascarón de huevo de Emú sobre madera / 50,212 Emu eggshell fragments on wood, 90 x 90 x 4 cm / 35.43 x 35.43 x 1.57 inches, Serie CaCO3 / CaCO3 Series, Colección Privada / Private Collection.

Foto / Photo: Guillaume Ziccarelli (TNTR AA PERROTIN NY March 2019), Gabrield e la Mora Estudio, Fotografía de Emú bajada de Internet.

 

SERIE

CaCO3

2012 – PRESENTE

La compulsión por llegar a un grado cero de la pintura ha llevado a Gabriel de la Mora a explorar el propio medio fuera de sí mismo, es decir, a explorar la idea de pintura sin pintura.

Tal pulsión, crucial dentro de su producción, se hace presente con particular agudeza en series como la realizada con cascarones de huevo.

La totalidad de la superficie, preparada con el mismo cuidado que una tela que desaparecerá lentamente al ser impregnada con óleo, queda cubierta con piezas minúsculas de este material.

Los cascarones, previamente seleccionados y catalogados con base en su color, se rompen, se cuentan y son colocados sobre la superficie de manera que no quede espacio vacío alguno y evitando a toda costa que se empalmen los pequeñísimos fragmentos.

El control durante el proceso es absoluto: se lleva cuenta del tiempo que toma cubrir la totalidad de la superficie e igualmente se cuenta cuántos pedazos caben dentro de ella; tal información da título a cada pieza.

El resultado genera entonces un minimalismo máximo, una pintura que sólo al ser observada de cerca revela su evidente carácter barroco.

 

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SERIE

CaCO3

2012 – ONGOING

The compulsion to reach a ‘zero degree’ of painting has led Gabriel de la Mora to explore the medium outside of itself, that is, to explore the idea of painting with no paint.

This urge, a feature central to his recent production, is made patent with poignant sharpness in series such as CaCO3, made from eggshells.

A surface, prepared with the same care as a canvas, is covered with minuscule fragments of eggshells (catalogued based on their color).

The eggshells are broken into tiny pieces, counted one by one, and then placed on a wooden surface in such a way that no blank spaces are left and avoiding any possible overlapping.

The control executed during this process is absolute; the amount of time it takes to cover the full surface is taken as well as the exact number of fragments that are used for that purpose; the resulting statistics inform the title of each work.

A “maximum minimalism” is achieved by each piece – paintings that reveal their intricate character only when observed up close.

 

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Gabriel de la Mora, 217 días I, 2019, Óleo erosionado y consolidado sobre tela / Eroded and consolidated oil on canvas, 19 x 22.5 x 2 cm / 7.48 x 8.85 x .78 inches.

 

SERIE

Pintura expuesta

2015 – presente

Pintura expuesta se inició en 2015 en la azotea de Lugar Común, un espacio de residencias en Monterrey, Nuevo León, y posteriormente se extendió a la azotea del estudio de Gabriel de la Mora en la Ciudad de México. La serie expande la búsqueda comenzada en El sentido de la posibilidad, donde el artista renuncia al control absoluto sobre la creación de una pintura y deja la realización de ésta en manos de elementos naturales. De la Mora obtuvo una serie de lienzos de paisajes y marinas de autores desconocidos pintados a lo largo de la segunda mitad del siglo XX; algunos fueron adquiridos mercados de antigüedades o de pulgas y, en su mayoría, son óleos sobre tela considerados desechos. Al igual que en El sentido de la posibilidad, los lienzos son dejados a la intemperie para provocar su degradación material.

Pintura expuesta explora la idea del desgaste provocado por la agencia humana: ésta se inspira en el impacto del extractivismo sobre el Cerro de las Mitras en Monterrey, devorado actualmente por una empresa cementera para transformarlo en concreto y otros materiales para la industria de la construcción. El cerro desaparecerá por completo, generando un daño ecológico irreversible. Así como el hombre destruye y altera la naturaleza, aquí se busca que la naturaleza destruya aquellas representaciones de sí misma fabricadas por el hombre. Los fragmentos que se desprenden de las capas pictóricas, por acción de la lluvia y el viento, se incorporarán de nueva cuenta a la naturaleza, pero como contaminación. Así, la pintura encuentra nuevas vías y genera, indirectamente, una crítica en torno al cambio climático.

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SERIES

Exposed Painting

2015 – ongoing

Exposed Painting began in 2015 on the rooftop of Lugar Común, a space for artists’ residencies in Monterrey, Nuevo León, and was subsequently extended to the rooftop of Gabriel de la Mora’s studio in Mexico City. The series expands the inquiry begun in The Sense of Possibility, where the artist grants over the creation of a painting to natural elements, therefore withdrawing himself from the strict control of his former authorial position. De la Mora acquired various landscapes and marine vistas by unknown authors painted throughout the second half of the twentieth century; some were acquired antique or flea markets, and are mostly oil paintings that are currently considered waste. As in The Sense of Possibility, canvases are left outdoors to cause their material degradation.

The series explores the idea of wear provoked by human agency: It is inspired by the impact of extractivism on the Cerro de las Mitras in Monterrey, currently devoured by a voracious cement company to transform it into concrete and other materials for the construction industry. The hill will disappear completely, generating irreversible ecological damage. Just as mankind destroys and alters nature, in Exposed Painting, nature mimics said destructive drive and erases itself within those man-made representations. Tiny fragments are slowly detached from each layer of pigment by the action of rain and wind; they will be incorporated back into nature but as pollution. Thus, as a genre, painting finds new creative outlets and indirectly generates a critique of climate change.

 

 

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Gabriel de la Mora, 13.8 ml, 2014, agua sobre lino, 25 x 25 cm.

 

El jueves 23 de enero de 2014 documenté el proceso de una pintura, utilizando únicamente agua, un aspersor manual y un lino montado en un bastidor de madera de 25 x 25 cm, colgado a la pared.

Coloqué el aspersor manual lleno de agua a 30 cm de distancia apuntando al centro de la tela para accionarlo 21 veces y rociar 13.8 ml de agua al lino.

Cada diez minutos se tomó una fotografía hasta que el agua desapareció por completo, este proceso duró 2 horas.

Una pintura puede ser una acción repetitiva llena de diferencias que aparece y desaparece una y otra vez y poco a poco va dejando una huella que transforma constantemente un monocromo en imagen o una imagen en monocromo.

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On Thursday, January 23, 2014, I documented the process of a painting, using only water, a manual sprinkler, and linen mounted on a 25 x 25 cm wooden frame, hung on the wall.

I placed the manual sprinkler filled with water 30 cm away, aiming at the center of the fabric to operate it 21 times and spray 13.8 ml of water on the linen.

Every ten minutes a photograph was taken until the water disappeared completely, this process lasted 2 hours.

A painting can be a repetitive action full of differences that appears and disappears again and again and little by little it leaves an imprint that constantly transforms a monochrome image or a monochrome image.

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Inscripciones líquidas sobre tela

2014

De carácter performativo, esta serie se conforma por obras en las que sobre un número determinado de lienzos de lino, el artista propone rociar con un aspersor la superficie de la tela, aleatoriamente. La indicación para la acción estipula el número de disparos que dará lugar al título.
En relación con otras estratégias empleadas por De la Mora, el procedimiento de Inscripciones líquidas sobre tela introduce otra forma de pensar las tensiones entre destrucción y construcción, más allá de borrar y raspar. Ahora, el flujo líquido esparcido continuamente ocasiona el deterioro que impregna la tela. De la misma manera, la gravedad y las condiciones climáticas se encargan de evaporar las huellas líquidas, ampliando el legado del borrado hacia nuevas consecuencias y variación en relación con la producción del monocromo. Como un organismo vivo cuyo estado interactúa con el ambiente, esta obra amplía los procedimientos históricos suscritos a la experiencia de la fenomenología del arte y la objetualidad, el devenir temporal de la imagen, y también las estéticas referidas a las presencias ocultas y la apertura del sentido. Por medio de esta apuesta repetitiva y circular, el artista emprende una acción en la que los extremos que estructuran sus series –de la imagen al monocromo y del monocromo a la imagen–, se manifiestan en su máxima potencialidad.

(Redactado a partir de Willy Kautz, Lo que no vemos lo que nos mira, 2014, p. 34)

 

Liquid inscriptions on fabric

2014

This work, of a performative nature, consists of a series of linen canvases whose surface the artist proposes to spray with water in a random manner. The instruction for the action stipulates the number of shots that must be triggered by the spray-bottle, that will give the work its title.
In terms of the former strategies, the procedure of spraying introduces another way of considering the tensions between construction and destruction that goes beyond erasing and scraping. Here, the continually sprinkled flow of liquid causes the wear as it seeps into the cloth. 
In a similar way, the weather is left in charge of allowing the liquid marks to evaporate, extending the legacy of the act of erasing to new consequences and featuring a variation in terms of the production of the monochrome. Like a living organism whose state interacts with the environment, this work broadens the historical processes subordinated to the experience of the phenomenology of art and objecthood, the temporal transformation of the image, and also the aesthetic referring to the hidden presences and the opening up of meaning. With this repetitive, circular proposal, the artist undertakes an action in which the extremes that lend structure to his series –from the image to the monochrome and from the monochrome to the image– manifest themselves at their maximum potential.

 

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Gabriel de la Mora, 13.8 ml, II, III, IV, V, VI, VII, 2014-2015, agua rociada y erosionada durante 122 días sobre lino / water sprayed and eroded during 122 days on linen, 30 x 30 x 3 cm / 11.8 x 11.8 x 1.1 inches, Pieza realizada y exhibida durante la exposición Gabriel de la Mora: LO QUE NO VEMOS LO QUE NOS MIRA, curada por Willy Kautz en el Museo Amparo en Puebla, México del 18 de octubre de 2014 al 16 de febrero de 2015 / Piece made and exhibited during the exhibition Gabriel de la Mora: WHAT WE DON’T SEE WHAT LOOKS BACK AT US, curated by Willy Kautz at the Amparo Museum in Puebla, Mexico from October 18, 2014 to February 16, 2015.

 

Del 18 de octubre de 2014 al 16 de febrero del 2015 se rociaban 13.8 ml de agua sobre el lino cada 20 minutos durante el horario de apertura del Museo Amparo a través de los guardias de seguridad durante los 122 días que duró abierta al público la exposición de Gabriel de la Mora: LO QUE NO VEMOS LO QUE NOS MIRA, curada por Willy Kautz, en el Museo Amparo en Puebla, México.

Al final el cloro del agua de Puebla, así como las sales y minerales despu´ñes de todo el proceso decoloraron y dejaron residuos secos en la superficie de cada uno de los 7 bastidores colocador en una de las terrazas que sirvió como sala de exhibición semi abierta para poder realizar la acción de estas pinturas.

El agua por gravedad iba bajando y escurriendo una parte, mientras que el resto poco a poco se fue evaporando hasta secar la tela y volver a repetir una y otra vez la misma acción cada 20 minutos por diversos guardias de seguridad cumpliendo así las instrucciones de la acción para ejecutar la obra.

Del monocromo a la imagen y de la imagen al monocromo.

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From October 18, 2014, to February 16, 2015, 13.8 ml of water was sprayed on linen every 20 minutes during the opening hours of the Amparo Museum through security guards during the 122 days the exhibition was open to the public. by Gabriel de la Mora: WHAT WE DON’T SEE WHAT LOOKS BACK AT US, curated by Willy Kautz, at the Amparo Museum in Puebla, Mexico.

In the end, the chlorine in the Puebla water, as well as the salts and minerals after the whole process, discolored and left dry residues on the surface of each of the 7 laying racks in one of the terraces that served as a semi-exhibition room. open to carry out the action of these paintings.

The water by gravity went down and drained apart, while the rest gradually evaporated until the cloth dried and repeated the same action every 20 minutes again and again by various security guards, thus complying with the instructions of the action to execute the work.

From monochrome to image and from image to monochrome.

 

Vistas de Instalación / Installation views.

https://museoamparo.com/exposiciones/piezas/20/gabriel-de-la-mora-lo-que-no-vemos-lo-que-nos-mira

Inscripciones líquidas sobre tela

2014

De carácter performativo, esta serie se conforma por obras en las que sobre un número determinado de lienzos de lino, el artista propone rociar con un aspersor la superficie de la tela, aleatoriamente. La indicación para la acción estipula el número de disparos que dará lugar al título.
En relación con otras estratégias empleadas por De la Mora, el procedimiento de Inscripciones líquidas sobre tela introduce otra forma de pensar las tensiones entre destrucción y construcción, más allá de borrar y raspar. Ahora, el flujo líquido esparcido continuamente ocasiona el deterioro que impregna la tela. De la misma manera, la gravedad y las condiciones climáticas se encargan de evaporar las huellas líquidas, ampliando el legado del borrado hacia nuevas consecuencias y variación en relación con la producción del monocromo. Como un organismo vivo cuyo estado interactúa con el ambiente, esta obra amplía los procedimientos históricos suscritos a la experiencia de la fenomenología del arte y la objetualidad, el devenir temporal de la imagen, y también las estéticas referidas a las presencias ocultas y la apertura del sentido. Por medio de esta apuesta repetitiva y circular, el artista emprende una acción en la que los extremos que estructuran sus series –de la imagen al monocromo y del monocromo a la imagen–, se manifiestan en su máxima potencialidad.

(Redactado a partir de Willy Kautz, Lo que no vemos lo que nos mira, 2014, p. 34)

Liquid inscriptions on fabric

2014

This work, of a performative nature, consists of a series of linen canvases whose surface the artist proposes to spray with water in a random manner. The instruction for the action stipulates the number of shots that must be triggered by the spray-bottle, that will give the work its title.
In terms of the former strategies, the procedure of spraying introduces another way of considering the tensions between construction and destruction that goes beyond erasing and scraping. Here, the continually sprinkled flow of liquid causes the wear as it seeps into the cloth. 
In a similar way, the weather is left in charge of allowing the liquid marks to evaporate, extending the legacy of the act of erasing to new consequences and featuring a variation in terms of the production of the monochrome. Like a living organism whose state interacts with the environment, this work broadens the historical processes subordinated to the experience of the phenomenology of art and objecthood, the temporal transformation of the image, and also the aesthetic referring to the hidden presences and the opening up of meaning. With this repetitive, circular proposal, the artist undertakes an action in which the extremes that lend structure to his series –from the image to the monochrome and from the monochrome to the image– manifest themselves at their maximum potential.

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Gabriel de la Mora, 188 días, 2013-2014, Óleo sobre tela erosionada del siglo XX / Eroded oil on canvas from 20th century, 29.4 x 57 x 2.7 cm / 11.57 x 22.44 x 1.06 inches, Serie El Sentido de la Posibilidad, Pintura Expuesta / The Sense of Possibility / Exposed Painting series, Proyecto de la BECA FONCA 2013-2015 / FONCA SCHOLARSHIP project 2013-2015.

 

Compré en un mercado de pulgas esta pintura anónima y sin fecha, óleo sobre tela, como desecho.

Subí la pintura a la azotea de mi estudio en la Ciudad de México el viernes 27 de septiembre de 2013  a las 14:00 horas, en donde estuvo en contacto con la lluvia, granizo, diversos cambios de temperatura, luz del sol, luz de la luna, ceniza del volcán Popocatépetl, contaminación, etc.

Retiré la pintura a los 119 días para tomar una fotografía profesional para registrar el proceso y ese mismo día la regresé a la azotea para que el proceso continuara, 69 días más tarde la pintura desapareció casi por completo por lo que decidí detener el proceso y bajanla de la azotea el miércoles 2 de abril de 2014 a las 18:00 horas.

De la imagen al monocromo y del monocromo a la imagen.

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I bought this anonymous and undated oil-on-canvas painting at a flea market as waste.

I uploaded the painting to the roof of my studio in Mexico City on Friday, September 27, 2013, at 2:00 p.m., where it was in contact with the rain, hail, various temperature changes, sunlight, daylight the moon, ash from the Popocatepetl volcano, pollution, etc.

I removed the painting after 119 days to take a professional photographer to record the process and that same day I returned it to the roof for the process to continue, 69 days later the painting disappeared almost completely so I decided to stop the process and download it from the roof on Wednesday, April 2, 2014, at 6:00 p.m.

From image to monochrome and from monochrome to image.

 

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